DADA1: ARTE

Una cita

2010-11-21T21:30:00.002+01:00

"En nuestra época el lugar esta atravesado por vectores de velocidad que lo desmantelan. Lejos de la lógica de lo monumental o, peor, del "rotondismo" que afecta al imaginario político con tanta facilidad, han ido surgiendo algunos proyectos de arte público, que funcionan como dispositivos críticos y de interrogación dignos de tener en cuenta. Acaso sea fundamental que los artistas establezcan colaboraciones estrechas y no meramente coyunturales con los arquitectos y urbanistas para que los proyectos públicos no estén, desde el principio, marcados por la obsolescencia y la arbitrariedad. Sabemos que, en un tiempo pretendidamente global, hay que tener en cuenta la preocupación local, pero no por ello hay que cimentar un imaginario narcisista o ultra-identitario sino que se trata de propiciar (por medio de esa colaboración fértil entre el arte y la arquitectura el diálogo con el otro. En el fondo el grupo local, con toda su perversidad, sabe lo que puede fluir."

Férnando Castro Flórez.
Una "verdad" pública. Madrid, Biblioteca documenta artes/UAM, pp. 124,125.

ARTE Y TECNOLOGÍA. PRÁCTICA 2. "PEZHOJAS"

2010-05-01T12:19:00.009+02:00

Bocetos de Cintia:

Imágenes de redes neuronales:

Neuronas según REmón y Cajal.

Cerebro.

MOVIMIENTO.

Pruebas para obtener el movimiento de las piezas para la práctica 2 de AyT. Motores de 3 v., motor de ventilador, hilo de silicona, alambre de acero, muelles, peces recortados de radiografías, algunos cromados posteriormente.

1.Motor de 3 v. con pilas. y leva.

2.Ventilador con aspas y un tubo de cartón con una pajita que golpea hilos de silicona.

3.Ventilador sin aspas, sólo el tubo de cartón con pajita golpeando muchos hilos, algunos de ellos atados a los peces, otros sólo tangenciales a los alambres.

4.Motor 3 v. (atornillado con cierta holgura) y leva, hilos de silicona.

5.Movimiento lento con el motor de giro lateral del ventilador

6.Motor 3 v. (alimentado con transformador) y Motor de giro lento del ventilador. Tres movimientos: 1) Hilos tangenciales: vibración leve; 2) Hilos atados al pez: vibración agitada; 3) Hilo desde el rotor lento del ventilador a un pez: movimiento lento.

REFERENCIAS.

Calder: móviles.
Tinguely: Motores, movimiento.
Moholi-Nagy: luz, movimiento, sombras, espacio.
Naum Gabo:
Elías Crispin:
Roger Vilder: motores, elásticos. Ver su web.
Youtube: Michael Culhane; Tim Prentice; Uberstix.com.

FLOWERS

2009-10-02T11:33:00.004+02:00

Miguel Ceballos es un amigo y artista especializado en escultura y modelado, pero además tiene amplios conocimientos de ingeniería mecánica, electrónica y un montón de cosas más. En este vídeo podeis ver algunas piezas de la serie de las Flores, realizadas con mecanismos de cuerda de juguetes y elementos recuperados de diversas maquinarias. Tienen esa dimensión lúdica, y al mismo tiempo, un lirismo que aúna lo maquinal con lo natural. Espero que os gusten tanto como a mí.

LA EXPERIENCIA TURRELL

2009-07-29T12:16:00.008+02:00

A principios de mes, asistí a un curso sobre naturaleza, arte y paisaje en la Universidad de Cádiz. Como colofón del mismo, realizamos una visita al Parque de Montenmedio, en el que tras recorrer algunas obras insertadas en el territorio, pasamos a visitar la pieza que reciéntemente inauguró el artista James Turrell. He aquí mis impresiones, tal y cómo os había prometido en una entrada anteterior.

Hay que acudir a una hora concreta a la construcción, camuflada por una cubierta de tierra. La entrada es un pasillo de tres metros de ancho que se va oscureciendo y te conduce a un interior en penumbra en el que una especie de piscina acristalada en la que arrulla el agua irradia una luz azulada. Al levantar la vista se ve el cielo, aún iluminado por el sol poniente. En el centro de la piscina se yerge una estupa, un tipo de construcción de los monjes budistas, mitas huevo, mitad cúpula. Entramos en su interior y nos sentamos en un banco que circunda toda la planta de la estupa. En el centro de techo hay un agujero de aproximadamente dos metros de diámetro, por el que vemos el cielo. A media altura de la estupa, hay un canal en el que iluminan unas luces leds, el color de la cúpula de la estupa es amarillo ocre y el cielo azul contrasta. Empieza a ponerse el sol.

A partir de aquí, la experiencia deviene en un maravilloso juego con la percepción mediante los cambios en las luces leds y el cambio de la luz natural del sol, que se va ocultando lentamente. Durante 45 minutos, tiempo que dura (al menos en verano) esta obra, percibimos los suaves y sutiles cambios de color que se establecen entre el techo de la estupa y el cielo a través del agujero. La profundidad del cielo desaparece y se convierte en un círculo plano que parece formar parte del techo. A veces una estrella aparece en el círculo y parece un punto de pintura blanca en una superficie oscura. Recuerdo que cuando aún el cielo era azul claro, un insecto cruzó volando, y fue como una mancha viva y limpia en una superficie plana, un punto móviéndose sobre el plano. La percepción es hábilmente hipnotizada por el mago Turrell, que nos lleva a territorios de poesía cósmica.

El vídeo no es muy bueno, y no da una idea de lo que se experimente en en interior de la estupa, entre otras cosas porque está prohibido grabar o hacer fotografías en el interior. De todas formas, aunque estuviera permitido, ningún vídeo da medida real de la experiencia, porque nunca es más cierto aquello de que la obra no puede experimentarse a través de una reproducción. Es una relación intransferible entre la luz, el color y la conciencia. Creedme, merece la pena, y si teneis ocasión, experimentadlo por vosotros mismos.

2009-06-28T14:40:00.011+02:00

La única presencia española en la última Bienal de Venecia, es un vídeo de la pareja de artistas Bestué/Vives, en la que desarrollan una serie de acciones artísticas en su entorno doméstico, desde un presupuesto burlón, humorístico, absurdo, vaya, un rosario de ocurrencias que desvirtúa y pone cabeza abajo la normalidad que rige nuestra relación con el espacio de nuestra existencia cotidiana. He visto fragmentos del vídeo en youtube, y entre otras acciones, recuerdo: coger una maceta del hall del edificio y exponerla en el balcón de su piso; construir con las piezas de la vajilla, las cacerolas, sartenes, etc. una fuente en la cocina, alimentada por el grifo del fregadero; torturar involuntriamente a un perro; o el ninja en el techo que aparece en la imagen. Todo es muy divertido y muy gracioso, casi me han hecho reir tanto como los Monty Python. Al parecer, todo esto tiene mucho contenido conceptual, que no niego, según las palabras de Miguel Ángel Navarro, un teórico al que sigo a través de su blog, de donde he copiado y pegado la mitad de esta entrada. Lo que dice tiene mucho sentido.

Por otra parte, “Hacer mundos”, el título de la exposición [de la Bienal], se expresa en esta serie de acciones de casa a través de la creación de nuevas maneras de habitar los mundos que ya están hechos. El artista contemporáneo se ha dado cuenta de que ya no es posible la creación ex nihilo, sino que hay que re-crear, jugar con las cosas que ya están dadas de antemano. La única posibilidad para la libertad del individuo está en reinventar su relación con las cosas y proponer alternativas a los usos prefijados de los objetos. Alternativas absurdas, aberrantes y sinsentido, pero que, en ocasiones, pueden convertirse en estrategias políticas de resistencia. Se trata de tomar conciencia del espacio que nos rodea, y para eso es necesario desnaturalizar todos el orden de las cosas, aunque eso suponga guardar los calzoncillos en los cajones de la cocina.

Recordarán ustedes ejemplos de reinvención de relación con las cosas y propuesta de alternativas a los usos prefijados de los objetos, aquella rueda de bicicleta que Duchamp incorporó a un taburete, o aquella plancha de Man Ray que tenía pinchos en su zona noble; o más cercano, la película El milagro de P. Tinto, en la que los extraterrestres abrían las botellas de gaseosa con la figurilla de un santo, aprovechando el simulacro de la orla de santidad.

Estoy de acuerdo en que estas alternativas absurdas, aberrantes y sinsentido, pueden, en ocasiones, convertirse en estrategias políticas de resistencia. Ahora bien, me surgen muchas preguntas: ¿es una estrategia política de resistencia una obra seleccionada oficialmente para la Bienal de Venecia (o cualquier bienal o similar)?; ¿no son esferas de normalización y regulación hasta la asfixia todos los eventos oficiales del arte?; ¿la correspondencia entre ese ninja en el techo y una obra de resistencia, no sería más exacta si la obra se expusiera fuera de la normalización, es decir, fuera de un evento artístico sacralizado?; ¿no son zoológicos llenos de fieras enjauladas estos eventos?; y así podría seguir un buen rato.

La cuestión final es que la sensación que me deja esto es, por decirlo con una correspondencia, como ese ejemplo clásico de la mano cuyo dedo índice señalaba la luna, y que según los chinos, no tiene más consecuencia que el hecho de que la mayoría mire al dedo. Para ver la luna, me parecen más adecuados los ejemplos que siguen, descargados del blog de Oliver Bishop-Young. Esto si es reinventar su relación con las cosas y proponer alternativas a los usos prefijados de los objetos. Alternativas absurdas, aberrantes y sinsentido, pero que, en ocasiones, pueden convertirse en estrategias políticas de resistencia. Se trata de tomar conciencia del espacio que nos rodea, y para eso es necesario desnaturalizar todos el orden de las cosas. Pero por supuesto, en esta sociedad del espectáculo, lo que no faltan son argumentaciones justificativas de lo que se decida tiene que ser lo correcto.

BELLEZA ADMIRABLE VERSUS BELLEZA AMABLE

2009-06-27T18:49:00.010+02:00

¿La admiración comprende sumisión?
¿Es lo amable también admirable?
¿Qué se pretende cuando se quiere crear algo bello admirable?
¿Es la diferencia entre un conquistador y un visitante?

El Canon Amable

Subversión del Canon.

Al tomar a lo bello, físico, como símbolo de lo moral, estamos ante una de las mayores falsificaciones de la cultura occidental. La historia de la idea de belleza (pues de idea se trata) es el índice de la hipocresía idealista que subyace a ella. En épocas recientes sirvió para la propaganda política de los totalitarismos y sigue siendo la piedra básica de la publicidad de mercado. La belleza sirve para vender ideas y productos éticos, políticos, religiosos, económicos…

EEUU URSS

Roma

Los cuerpos del pueblo.

El Tercer Reich

Pintura del Tercer Reich, El juicio de Paris. ¿A quién elige Paris como la más bella de entre las tres diosas? Por supuesto, a la de raza aria.

Modelos de belleza.

De la hipermusculación, a la delgadez. De la dominancia a ser dominada

Amable.

A VUELTAS CON LO MISMO: BELELZA Y ARTE.

2009-06-27T14:28:00.005+02:00

"Al tomar a lo bello, físico, como símbolo de lo moral, estamos ante una de las mayores falsificaciones de la cultura occidental. La historia de la idea de belleza (pues de idea se trata) es el índice de la hipocresía idealista que subyace a ella. En épocas recientes sirvió para la propaganda política de los totalitarismos y sigue siendo la piedra básica de la publicidad de mercado. La belleza sirve para vender ideas y productos éticos, políticos, religiosos, económicos…

Sabemos todo esto y, sin embargo, como decía Schiller, los ojos reclaman belleza ¿Por qué será?. Quizá porque se ha escrito la historia de la belleza admirable, pero falta todavía la de la belleza amable."

"Ante una situación como ésta resulta lógico que nos preguntemos si existe vida más allá de ese nihilismo radical que juega sin contemplaciones con los últimos vestigios de la religión romántica del arte. Si nos atenemos a las predicciones de algunos de los pensadores más sagaces de nuestra época, y a los signos que se desprenden de las actividades relacionadas con la creación artística, lo que parece más probable es que nos estemos encaminando hacia un concepto de arte mucho más discreto y efectivo, descargado de hinchazones trascendentes y más próximo, tal vez, al significado que tuvo la palabra en el mundo clásico. Llamaremos "arte" a productos de la imaginación que aspiren a un alto grado de excelencia, pero que se encuentren integrados en las prácticas y necesidades de la vida cotidiana, tal y como está ocurriendo ya con las propuestas de las nuevas tecnologías... o como ocurrió con esas pinturas holandesas del Rijsmuseum, cuya humilde domesticidad deslumbró a Félix de Azúa (Otro espíritu sobre las aguas)".

"De modo que me aplico a la tarea, en esta oscura noche de invierno me preparo para invadir el significado de Europa"
W. T. Vollmann, Europa Central

LA TRANSPARENCIA DEL MAL

2009-06-24T02:42:00.006+02:00

1. Presentación del uniforme de la "nueva" guardia nacional que patrullará las calles de Italia. 2. El Príncipe Harry de Inglaterra hace algunos años ocupó la portada de los tabloides británicos por su "desliz" con la indumentaria. 3. Las historias se recuerdan por sus villanos más que por sus héroes. 4. La palabra sánscrita svástika: su, bueno; asti, ser; y ka, como sufijo o terminación, entre los budistas simboliza "lo infinito.5 y 6. Víctimas y Verdugos. 7. ¿Qué tiene el mal que lo hace tan seductor, o es que la seducción es consustancial al mal?

El fascismo más peligroso es aquel que no se inviste con los símbolos que le son dados.

JAMES TURREL INAUGURA "SECOND WIND" EN MONTENMENDIO.

2009-05-25T18:30:00.005+02:00

El sábado 30 de mayo a las 20:00 h. se inaugurará la obra que el gran artista estadounidense James Turrell ha elaborado durante los últimos tres años por encargo de Montenmedio, la Fundación que pretende ser un espacio dedicado al "arte y naturaleza". El caso es que ahora vamos a poder experimentar en vivo y en directo una obra de Turrell, un artista imprescindible en mi opinión en cuanto a la investigación de la percepción espacial a través de la luz, un místico tecnológico que empezó siendo agente de la CIA y acabo dedicado al arte. Gracias a Darwin.

No se lo debería perder nadie, porque además, las obras de Turrel no se pueden experimentar a través de imágenes, eso, que es obvio para casi todo el arte, es aquí un imponderable. Las creaciones de Turrel hay que experimentarlas sensorial y corporalmente, más aún teniendo en cuenta que la luz natural forma parte esencial de la obra, y que ésta varia en función de aquella.

Colgaré un post sobre la inauguración después de asistir. Quedais emplazados para entonces.

Las imágenes de obras de James Turrell que se muestran a continuación las he tomado del blog elogio de la sombra , con interesante contenido e imágenes referentes al arte que trabaja con energías luminosas y tecnología de vanguardia. A mí me ha gustado mucho y lo añado a mis blogs favoritos desde este momento. Y por supuesto no dejeis de leer el libro de Tanizaki del mismo título.

FRAMMENTOS (INSOMNIO 1)

2009-04-17T02:24:00.009+02:00

Cuando se ausentan de sí mismos, cuando queda en ellos sólo lo que son, sin más, y hay espacio para que pase algo a través de ellos. Es entonces que surge el arte. Esto lo he observado tras cinco años en una facultad de bellas artes y 12 años en un taller de dibujo y pintura infantil.

Puede que el arte no necesite a la belleza, y sólo la técnica precisa para formalizar la idea, pero el ser humano necesita la belleza. Y la técnica, me parece, es hacer que una idea parezca mejor.

Christopher Conte

Un catedrático me dijo en una ocasión de manera tajante que no existen ideas, y justificó tal afirmación argumentando que llevaba catorce años en la cátedra (no recuerdo si de filosofía o de estética). Pues bien. Desde entonces, cada vez que lo recuerdo, pienso en él como el hombre sin ideas. Es posible que haya alguna relación con la obra de Musil El hombre sin atributos, no lo sé. Es otro libro en la lista de lecturas aún por leer, otro libro sin certeza de ser leído en el limitado tiempo que se nos ha dado. Si hubiéramos nacido hace diez siglos, tendríamos mucha menos literatura que leer, menos arte que ver, ahora tenemos diez siglos más a cuestas, mil años más sobre la espalda de Atlas.

(30/10/1893 - 23/12/1972) (Fuente de la imagen: Sandowplus)

Leo escritores que reniegan del ordenador apegados a la máquina de escribir o al folio y la estilográfica. A mí me gusta teclear, con tanta tecla y tantas combinaciones en las que entran varios dedos a la vez me siento un poco organista, o pianista. Siempre quise ser músico, sobre todo cantante, es más ligero que ser artista plástico. Más portátil.

Nietzsche se tomaba un tazón de cacao desgrasado apenas despertarse de madrugada. A continuación, según me han dicho, dormía un poco más y luego se levantaba y se vestía y marchaba a caminar por las montañas, ejercitando sus músculos antes de permitir ningún pensamiento. Así filosofaba. Yo me acabo de tomar una taza de cacao sin grasa ni azúcares, bien caliente, con unas galletas. No conozco mejor remedio contra el insomnio. Ahora ya puedo acostarme y dormir toda la noche, o lo que resta de ella. Hasta mañana.

LA INSOPORTABLE SEDUCCIÓN DE LA VIOLENCIA Y OTROS MARTILLAZOS.

2009-04-09T20:47:00.012+02:00

Decía un personaje de El cielo sobre Berlín que la paz no se deja narrar. Era un viejecito que deambulaba por un Berlín de la memoria destruida por la guerra, la cicatriz de una gran violencia que sacudió la espina dorsal de Europa y destruyó lo que restaba (si restaba algo) del proyecto moderno.

Toda la historia de la humanidad es una historia de violencia. Toda las historias de los grandes relatos, la literatura, el cine, el arte, los cómics, la música, ..., son una historia de violencia. Lázaro de Tormes con los dientes rotos por un jarronazo a bocajarro, nunca mejor dicho, Sancho manteado, las espeluznantes torturas al óleo de los mártires y santos, el gore sádico de la imaginería religiosa católica, los duelos al sol entre vampiros y psicokillers, los cadáveres plastinados, el video clip de las torres gemelas derrumbándose,... Pues eso, que la historia son picos de violencia, que la paz no se deja narrar.

Toda la argumentación de orden ética, moral o incluso artística contra la producción contemporánea que toma como tema la violencia, el horror, el sadismo, etc. sin concesiones al espectador, sin concesiones a la thekné y mucho menos a la desterrada belleza, se ve invalidada por un simple palabra: pertinencia. Hay que reconocerlo, este arte es la expresión más cercana a la verdad de nuestra existencia actual, carente ya de proyectos en los que depositar nuestra fe, incrédulos ya ante la utopía. Lo pertinente en una guerra es tomar un arma y disparar a la cabeza al enemigo, y por qué no, al amigo (fuego amigo). Lo inimaginable, lo trabajoso, sería poner fin a la guerra. Pero los artistas no están por la labor. Y además ya apenas se distingue entre los artistas y los simulacros.

Dijo Duchamp que los artistas del futuro serían clandestinos. No me resulta posible aplicarle ese adjetivo a Barceló, convertido en icono de la modernidad en los ochenta y millonario por una obra que se cae a pedazos en la cúpula de las Naciones Unidas; ni a ese artista checo que produjo obras apócrifas de artistas de toda Europa y se embolsó el dinero supuéstamente pagado a esos autores inexistentes; y qué decir de Damien Hirst, que preside un emporium total que adquiere lo que él produce para aumentar su cotización. Tengo un libro aún por leer en mis estantes: Estrategias del joven arte británico de los ochenta.

La sensación es que los artistas de las últimas generaciones han heredado siglos de carne magnífica, pero no han querido aprender a cocinar. Les resulta más cómodo, fácil y rentable meter la carne en el microondas. Alguien les aplaude, alguien puja por ellos y claro, así nos va.

Si la existencia es una cuesta y nacemos en la mitad, la tendencia inducida desde misteriosos lugares que no son el centro de nada pero parecen ser el centro de cada lugar y de cada momento, es que es más recomendable dejarse rodar muellemente hacia abajo, y de esta manera la ética del esfuerzo y la lucha por la excelencia han caído en total desgracia. El elogio de la mediocridad.

Cuando oigo hablar o leo acerca del arte joven o los jóvenes artistas, siempre desconfío. La experiencia me ha llevado a este posicionamiento. Hay demasiada ligereza a la hora de otorgar el título de artista y hay excesiva prisa inyectada en las jóvenes mentes que no reparan en escrúpulos cuando se trata de escandalizar. Y qué decir de tanto teórico que desprecia el objeto artístico y se yergue en profeta de una arte sin sustancia al que cada día bautizan con una nueva nomenclatura: arte relacional, arte proyectual, arte conceptual trans-social, en fin, para qué quitarles la ilusión de que son los descubridores de algo que los griegos crearon (descubrieron, diría un profesor mío) hace ya más de veinte siglos: la música de las esferas.

La maestría es algo más que un cartucho de dinamita en medio de una fiesta. La maestría cuesta trabajo y tiempo, y más humildad de la que demuestran la mayoría de señalados por la varita del poder.

No muy lejos está el día en que algún artista de vanguardia llevé a cabo el asesinato como una de las bellas artes que propusiera Thomas de Quincy. Lo imagino no intimista, no como un asesinato silencioso de un individuo, con veneno o gas, sino una gran explosión de ruído y color con gran textura de carnes y sangres y huesos, algo visceral pero muy bien argumentado por largos párrafos que se podrán oir en internet de boca del propio autor (o autora, que esta potestad no es patrimonio de los varones). ¿Es este el genio que esperamos, cansados de esperar a Godot?.

CUT & PASTE 1

2009-03-11T12:54:00.001+01:00

Cut and Paste del blog de Repronto.

"[...]

El grafitero Banksy remataba su libro “Wall and Piece” con una frase que me llamó la atención: “Las obras cuya pretensión es querer hacerte famoso, nunca te harán famoso. La fama es un derivado [, un subproducto,] de hacer otra cosa. No vas al restaurante a comer un menú porque quieres soltar un cagarro“.

Creo que tiene razón, que esa confusión existe. Es consecuencia de que las personas a las que admiras/respetas -los nortes que compartimos- son publicitadas más por el cagar que por el comer, o sea, más por su “fama” que por las cosas que hacen. Y hay gente que, al no entender que la fama es el subproducto, se centran directamente en bañarse en mierda.

[...]"

RESPUESTA A UNA AMIGA SOBRE EL DOLOR Y LA MUERTE EN EL ARTE.

2009-01-19T13:45:00.001+01:00

“EL ARTE NO DEJA DE SER LA VÍA DE ESCAPE PARA PLASMAR LO QUE SIENTES Y CÓMO LO SIENTES Y HASTA EL POR QUÉ LO SIENTES”.
También puedes sustituir SIENTES por PIENSAS, lo cual es más acorde con la idea del arte como una forma de conocimiento, no sólo de expresión.
UN TRABAJO ARTÍSTICO DESDE MI PUNTO DE VISTA ES UN VIAJE AL YO MÁS PROFUNDO, QUE INTENTA CONECTAR CON LA OBRA ESE SENTIMIENTO O PERCEPCIÓN DE LA REALIDAD DEL INDIVIDUO.
UNA OBRA ARTÍSTICA TIENE MÁS PEAJES QUE LA AUTOPISTA DE LA COSTA DEL SOL, 1º EL PERSONAL, LA BÚSQUEDA Y EL ENCUENTRO CON ESE YO.
El YO al que apelas es propio del arte gestático, en el que el artista debate ante y con la obra hasta hallarse a sí mismo en ella. La obra como mismidad del autor. El arte no gestáltico no tiene porque cumplir esta premesa de BÚSQUEDA Y ENCUENTRO CON ESE YO. De hecho, las obras del Colectivo de Arte 90 son producto de una dialéctica colectiva, dialogada y razonada. No estamos aquí ante el pintor que se bate en duelo con el lienzo en plena noche hasta conseguir lo inesperado afortunado.

¿REALMENTE SE PRETENDE CON LAS OBRAS QUE HAS PUESTO DE EJEMPLO ACOGER CON NATURALIDAD EL DOLOR FÍSICO O PSÍQUICO?, ¿O SIMPLEMENTE ES UNA FORMA DE ESTAR PRESENTE Y EN EL PUNTO DE MIRA, POR JUGAR CON ALGO TAN DOLOROSO?
Esa es la intención de los artistas, y su argumento, al menos en esos casos. Otros hay en los que, estoy convencido, esos argumentos sólo intentan esconder el deseo de escandalizar y crear revuelo y alharaca para llamar la atención. En cualquier caso, la obra Punctum, es una simulación con Photoshop, puesto que sus autores apelan al sentido común. Observa en cambio estos otros ejemplos muy anteriores en el tiempo.
El etiquetado Accionismo Vienés [1] , Orlán [2], o Robert Flanagan [3] , cuyo “concepto corporal sería una liberación para otras minorías como feministas, gays, lesbianas y grupos que piensen que el cuerpo no deba connotar los dictados estéticos del poder establecido”. Ver el texto completo.
(http://www.rebross.com/resswork30/PANEL/P294/P2940.HTML)

En fin, que me parece válido y razonable el argumento a favor de la presencia de estos temas en el arte. Pero es que llevamos ya varias décadas de lo mismo. Esta estética está empezando a resultar tan cansina como en su momento el expresionismo abstracto o el pop art. Llevamos viendo vídeos de automutilaciones simuladas (o no) desde hace años, desde Swarkogler (o como se escriba) hasta la que ví hace un par de años en el Reina Sofía de unos jóvenes accionistas mexicanos. Y no es por nada, pero puestos a soltar ideas para hacer una obra, a mí me resulta más fácil pensar en una barbaridad que en una genialidad. Lo vulgar y lo asqueroso es más fácil, cagarse es más fácil que hacer abdominales. Y sí, que está muy bien la teoría de que el cuerpo sufriente es metáfora de la misma sociedad que lo crea y que nos impone y vende el cuerpo esculpido y sano y la idea de lo bello como lo saludable que da placer. Que sí, que al ver eso veo la auténtica metáfora social en la que se perciben los prejuicios y valores de la sociedad. Pero es que yo no necesito esas obras, yo eso lo veo ya directamente, sin necesidad de esas metáforas tan FACILONAS.

Buen ejemplo el de los Fusilamientos del 2 de mayo. Esa obra tan violenta y cruenta y etc. se acepta sin problema. Igualmente se acepta la talla de un hombre crucificado en una cruz, con el costado penetrado por una lanza y su cabeza sangrante coronada de espinas. Incluso despierta admiración la contemplación de esas obras. La cuestión que se trata aquí son los MODOS DE REPRESENTACIÓN. En los casos mencionados, los modos de representación están asumidos como artísticos, es una convención. Luego está el hecho de que la técnica del artista logre alcanzar a través de esos medios expresivos un grado de excelencia que eleve lo horrible a la categoría de sublime.

[1] Rudolf Schwarzkogler (Viena, Austria, 1940-1969). Fue un esteta, un místico, que incorporó la filosofía oriental a su trabajo. Creó una maquinaria esteticista de la crueldad, bajo una atmósfera esterilizante de hospital, redimida por el artificio de la cosmética. Fue un esteta de la muerte. Entendió el arte como ritual de la vida y la pintura como una puesta en escena de sus instrumentos significantes donde imperaba el ritual estético y sensorial del intercambio entre los sentidos. Influido por Klein, el pigmento azul puro fue el color preferido de su estética apolínea. En su manifiesto Panorama, propone expandir el acto de pintar hacia un acto total que pueda ser una experiencia para todos los sentidos. En sus escritos, define la estética Panorama como el núcleo de un arte nuevo: “Un arte de la capacidad regenerada por la experiencia”. Hay asimismo un deseo de buscar la verdad a través del arte: “El arte es el purgatorio de los sentidos”, “la estética Panorama es la obra de arte total (Gesamtkunstwerk) eficaz”, “la pintura como arte de curar”. Se suicidó el 20 de junio de 1969 lanzándose al vacío desde la ventana de su apartamento.

[2]Orlan, artista francesa alarmante y polémica, nació el 30 de mayo de 1947 en Saint-Etienne, (Loire) Francia, desde 1983 reside y trabaja en Paris.

Se ha dado a conocer internacionalmente gracias a su extremismo a la hora de llevar a cabo sus "perfomances", y que la han llevado al protagonismo vanguardista dentro de los artistas contemporáneos del post-arte-orgánico.

Autores como Baldini y Castoldi definieron el trabajo de la francesa como "una metamorfosis física y de las identidades más radicales y polémicas dentro del panorama artístico contemporáneo".

Su trayectoria artística comenzó en 1964 con algunas operaciones estéticas de estilo bizzare. La primera grabación en video de una de sus operaciones quirúrgicas la efectúa en Lyon en 1978. A partir de mayo de 1990 la serie de operaciones quirúrgicas a la que es sometida, como parte del arte que defiende y de la transformación de su cuerpo, pasan a recopilarse bajo el titulo de "la Reencarnación de Santa Orlan", bajo el propósito de pasar a formar parte de modelos clásicos de la belleza como el caso de Venus, Monna Lisa...

De ella han dicho que "utilizando el icono barroco, la tecnología de la informática médica, el teatro y las redes de la comunicación en masa, persigue su desafío que consiste en trabajar sobre el concepto tradicional de la belleza y el concepto occidental de la identidad". El 21 de noviembre de 1993 en Nueva York tuvo lugar su séptima operación quirúrgica en la cual se implantó dos sistemas de silicona a cada lado de la frente a modo de pequeños bultos. El trabajo de Orlan se comercializa en forma de cintas de video en las cuales se graban las diferentes operaciones quirúrgicas a las que se somete la francesa.

Actualmente además de ocupar un puesto envidiable entre los artistas contemporáneos, ocupa un alto cargo en el Ministerio de Educación francés, además de colaborar en programas sociales enfocados hacia los inmigrantes.

[3] El pequeño Robert Flanagan nació el 27 de diciembre de 1952 en Nueva York. Pronto se le detectó una fibrosis cística que le obligaba cada poco tiempo a ingresar en el hospital para que los médicos le drenaran los pulmones llenos de secreciones. Los doctores accedían a los pulmones clavándole múltiples agujas y por medio de jeringuillas le sacaban el infecto líquido. Bob se tiró toda su infancia de hospital en hospital. Cuando no eran pruebas para curarlo, entraba en una crisis que le encharcaba los pulmones, y todo se basaba en lo mismo: pinchazos. Ya en la adolescencia, descubrió
que su cuerpo no sólo podía producirle dolor, si no que también podía darle algo de placer: el onanismo era su única salida al brutal dolor que sentía continuamente. Así pues, acabó solucionando sus problemas a base de masturbarse continuamente. En esa etapa relacionaría los dos conceptos por los que se dio a conocer: el placer y el dolor, algo que para él ya era una cosa indivisible. Bob se acaba convirtiendo en un masoquista extremo. Cuando tiende a recuperarse de su enfermedad, ayuda a los monitores de un campamento de niños afectados por su misma enfermedad. Es un tipo sensible, lo que le lleva a interesarse por la pintura, la poesía y la música. Todo un ejemplo para los niños del campamento, que no tienen ni idea de sus actividades masturbatorias privadas, las cuales cada vez son más extremas. Terminada la adolescencia y contra todo pronóstico, se sobrepone a la enfermedad, aunque sigue obsesionado por el dueto dolor-placer. Cada vez tiene más obsesión por todos los objetos capaces de inflingir dolor: martillos, clavos, tenazas..., hasta que un día decide llevar a cabo una de las fantasías: atravesarse el pene con un clavo. En 1980 coincide con la fotógrafa underground Sheere Rose. Él le habla abiertamente de su extraña vida sexual y (oh! sorpresa!) ella se enamora del tipo. Viven juntos como pareja y como ama y esclavo. Sheere empieza a fotografiarle mientras lleva a cabo sus actividades y así se gana una reconocida fama en la comunidad underground de Los Ángeles. Poco después ya es requerido para que monte sus escenas en público y no sólo para su fotógrafa. El show, entre otras lindezas, consiste en coserse los genitales con hilo y aguja, para terminar clavándolos en un tablero con puntas más bien grandes. Y todo aderezado con las bromas de Bob y un discurso sobre sexo, la inhibición, la represión...El espectáculo es un éxito, y ya en 1988 presenta "NAILED", una performance mucho más dura que la anterior. En Nailed se muestran manipulaciones corporales, cortes con cuchillos, suspensiones de cadenas y el ya típico número de clavarse los genitales en una tabla. Al mismo tiempo que presenta el nuevo show, publica un libro autobiográfico, "Fuck Journal" y varios libros de poemas como "Slave Sonets", o "Why", una extensa lista donde razona y justifica su comportamiento masoquista. Bob acostumbra a recitar dichas razones con 50 pinzas repartidas por su cuerpo, a las que se le iba vertiendo agua para que a causa del peso, le formaran múltiples hematomas en la piel. También participó en el videoclip "Happines in Slavery" de la banda Nine Inch Nails, donde se le puede ver siendo torturado por una máquina infernal, o en el documental "Sick", donde se recogen sus últimos días, antes que la enfermedad que le creó tal y como era acabase con él en enero de 1996.

ULTRAVIOLENCIA Y SUPERFICIALIDAD

2009-01-17T16:19:00.001+01:00

En unos correos que intercambié con Vicente Luis Mora, escritor y crítico, me remitía éste un texto que reproduzco a continuación, en el que se presentan diversos argumentos en favor de la violencia, el dolor y la muerte como tema:

ULTRAVIOLENCIA Y SUPERFICIALIDAD

Por ello, la nueva narrativa mutante debería evitar caer en los mismos errores que aquello que pretende recoger (supuestamente, para denunciarlo per se, o para criticar la excesiva presencia de los mass media en nuestras vidas, o el excesivo simulacro que nos distancia de la realidad oculta o no-visible); algo parecido sucede, como apuntamos más arriba, con la crítica de la violencia. En muchos de estos autores hay un regusto por lo excesivo, lo monstruoso, lo criminal, por el sexo degradante o enfermizo[1], por diversas formas de violencia, sea para criticarla o simplemente para exponerla, para dejarla mostrada al lector. Incluso escritores de la misma edad, como Andrés Ibáñez, opinan que “los novelistas (especialmente los españoles) parecen empeñados en describir las cosas más asquerosas de la forma más repelente” [2]. Esta omnipresencia de la violencia tiene su origen, obviamente, en esos mismos medios de comunicación[3], y por eso su crítica está muy conexa –y tiene, en consecuencia, las mismas posibilidades de paradoja e incoherencia– con lo anterior. De las muchas explicaciones posibles para tanta violencia en la literatura reciente me interesa replantear la que ofrece el filósofo Arturo Leyte en El arte, el terror y la muerte, sobre todo porque nos lleva al tercer peligro de la narrativa mutante: la superficialidad. Escribe Leyte:

Que en los años en los que se disolvían las grandes oposiciones modernas (verdad/falsedad, en el paradigma de la ciencia; bien/mal, en el de la moral y bello/feo, en el del arte) un cierto sector del arte viniera a coincidir con la publicidad no hace sino confirmar esa tendencia de liquidación definitiva del paradigma interior/exterior a favor de la exigencia de que todo tiene que ser superficie exterior.[4]

No es casual que en algún libro de Agustín Fernández Mallo se lea, concordando con Otto Neurath, que expuso antes el adagio, “todo es superficie”, o que el joven ensayista y poeta Alberto Santamaría elabore sesudos razonamientos sobre la profundidad de la apariencia estética. Pero en el razonamiento de Leyte esta descripción de la exterioridad venía antecedida de una idea que encuentro clave para entender la atención de esta nueva narrativa por la muerte y la violencia:

La banalización del mal, la presentación en sociedad de la desfiguración y, finalmente, la repetitiva escenificación del dolor bajo todas sus formas (principalmente la enfermedad y la tortura, físicas o psicológicas) y de la muerte, todo ello no resulta del intento por hacer aparecer la negatividad […] sino del definitivo intento porque paradigmáticamente aparezca de forma positiva lo absoluto, lo infinito. (2006:88)

He ahí la clave. La atracción de la muerte y de todo lo que se le aproxima, de lo que va a su encuentro (=la violencia) se debe a que es el último reducto de la seguridad, lo único unívoco en un tiempo de simulacros, la certeza final, el asidero metafísico restante, la salida. En efecto, como razona Leyte a partir de Heidegger, la muerte es el absoluto, una idea moderna, pero que ningún posmodernismo filosófico ha podido desactivar: por fortuna, la ligereza o el atrevimiento de la reflexión contemporánea ha contemplado muchos finales y muchas desapariciones[5], pero jamás se ha atrevido a cometer la infantilidad de hablar de la desaparición de la desaparición[6]. La muerte es la última Thule de la retórica artística, y todos los escritores actuales lo comprenden bien, como se viene haciendo aproximadamente desde 1800 (según periodización, bastante plausible, de Leyte) y sin solución de continuidad.

________________________________________
[1] A algunos textos les sería aplicable el diagnóstico de Ballard: “la violencia es la conceptualización del dolor. De acuerdo con ese mismo canon, la psicopatología es el sistema conceptual del sexo” (Guía del usuario para el nuevo milenio, Minotauro, Barcelona, 2003, p. 116).
[2] Andrés Ibáñez, “David Lynch como ejemplo”, ABCD de las Letras y las Artes, núm. 788, 10 de marzo de 2007, p. 17. Ibáñez cree que no es sustentable este uso generalizado del horror según la explicación moderna de, por ejemplo, Adorno, por la cual “el arte moderno ha de ser desagradable para sacudir nuestra percepción adormecida por lenguajes complacientes y hacernos, así, conscientes de nuestra alienación” (íbídem). Ibáñez cree que esta forma de entender la literatura y el arte va detrás de una mera producción de asco físico, que intenta llegar al cuerpo, y no producir una catarsis psíquica liberadora. Reconozco que, en la mayoría de los casos, Ibáñez tiene razón, aunque no siempre; en autores como Juan Francisco Ferré o Javier Fernández el uso de un alto grado simbólico de violencia sexual persigue sacudir la conciencia social e intentar ir al por qué de la violencia individual congénita y su concreta manifestación pulsional.
[3] “El poder de los medios audiovisuales ha condicionado al intelectual hasta tales extremos que hoy se tiende a enmascarar los sentimientos verdaderos y a buscar la promoción en la agria ironía, en el humor fácil, en el escepticismo, en la agresividad, en los gestos”, Antonio Colinas, Sobre la vida nueva, Nobel, Oviedo, 1996, p. 205.
[4] Arturo Leyte, El arte, el terror y la muerte, Abada, Madrid, 2006, p. 90.
[5] Sin vocación exhaustiva, apunto que se han señalado el fin del autor (Derrida, Barthes), del hombre (Foucault, Soyinka, Fukuyama), del individuo (Malraux), la filosofía (Heidegger), la teoría (W. B. Michaels y Steven Knapp), la ciencia (John Horgan), los estudios de la ciencia (Carl Mitcham), del tiempo (Damian Thompson, J. Barbour, U. Eco), de los tiempos (Félix Duque), del pasado (J. H. Plum), la literatura (Alvin Kernan), la tragedia (George Steiner), la novela (Ronald Sukenick, Michael Krüger), la palabra (Segundo manifiesto De Stijl), las certidumbres (Ilya Prigogine), la interpretación (Sontag), la pintura (Miró, Douglas Crimp), El fin del arte (Arthur C. Danto, Donald Kuspit), de la historia del arte (Hans Belting), de la teoría del arte (Victor Burgin), el fin de lo clásico (Peter Eisenman), del clasicismo (J. M. Ripalda), de las vanguardias (E. Subirats, R. Fuchs), La muerte de la vanguardia literaria (Leslie Fiedler, 1964), de la modernidad (G. Vattimo, Romano Guardini), de la esperanza (J. Hermanos), de la economía (Michael Perelman), de las ciencias exactas (Picazo Rodríguez, Sánchez Bravo, Guillán), de la eternidad (Assimov, John Varley), de la educación (Neil Postman), de la escuela (Michel Eliard), El fin de la sociedad del trabajo (André Gorz), del trabajo (Jeremy Rifkin), del neoliberalismo (Ulrich Beck), la democracia (J. M. Guéhenno), la socialdemocracia (Ignacio Sotelo), del Estado-nación (Kenichi Ohmae), de la clase media (Gaggi y Narduzzi), de la religión (N. Lash), de la familia (Peter Nadas), del accionista (A. Kennedy), de la democracia económica (T. Frank), de la utopía (H. Marcuse), El fin de la cultura de la victoria (T. Engelhardt), de la distancia (Frances Cairncross), las noticias (Robert J. Samuelson), la televisión (Javier Pérez de Silva), el cine (Víctor Erice), El fin de la privacidad (Reg Whitaker), la univocidad (Zygmunt Bauman), El fin del envejecimiento (Tom Kirkwood), la pobreza (Jeffrey Sachs), la inocencia (Stephen Koch), de la voluntad (G. Lipovetsky), la verdad (Baudrillard), las ideologías (Daniel Bell), el comunismo (Santiago Carrillo), el final de la historia (Kojève, Fukuyama), y el fin de los fines de la historia (innumerables); a los que se podrían añadir fines estéticos como El fin de las razas felices (Dionisio Cañas), El fin de la infancia (A. C. Clarke), El fin de los mundos (Neil Gaiman), El fin del romance (Graham Greene), El fin de una raza (José M.ª de Pereda), El fin de los buenos tiempos (I. Martínez de Pisón), El fin de la noche (J. MacDonald), El fin de la edad de plata (Valente), El fin de los días (Torbado), o El fin de un sueño (Yoshikawa). Qué angustia.
[6] Hay un amplio movimiento (ahora no cito, tiempo habrá) de ocultamiento social del hecho de morir, de la muerte, pero nadie defiende, al menos que yo sepa, su inexistencia, que es de lo que aquí se habla.

APUNTES SOBRE EL DOLOR, LA VIOLENCIA Y LA MUERTE EN EL ARTE (3).

2008-03-28T13:04:00.009+01:00

Chris Burden.
Orlan.
Accionismo vienés.
Bob Flanagan.
Marina Abramovic.
Paul McCarthy.

Una tradición con más siglos de lo parece.
Cambian los modos de representación.

¿Dónde están las fronteras del arte?
¿Aquí?

APUNTES SOBRE EL DOLOR, LA VIOLENCIA Y LA MUERTE EN EL ARTE (2).

2008-03-23T14:33:00.002+01:00

Entrevista a Masaru Emoto,
por Antonio F. Muro.

La localidad de Riopar (en la Sierra del Agua de Albacete, España) fue sede los días 24 y 25 de septiembre de 2006 del Primer Encuentro Internacional de la Ecología del Agua y al mismo asistió Masaru Emoto, el investigador japonés que asombró al mundo hace seis años con su libro “Mensajes del Agua” y que desde entonces ha realizado más de 50.000 fotografías con las que afirma haber demostrado cómo los pensamientos y emociones humanas, al ser vibraciones y éstas, la base de la Vida, alteran la estructura molecular del agua y actúan directamente sobre la salud y el comportamiento a nivel global.

"El cristal nos enseña que esas cosas negativas no son buenas para la vida. Y no sólo pasa con la música. También las fotos transmiten vibración. Los dibujos de Miguel Ángel transmiten vibraciones y nosotros las disfrutamos. Tienen como un sentimiento de sanación. Todas las buenas artes tienen la propiedad de sanar."

Un argumento interesante para añadir al debate sobre la violencia, el dolor y la muerte en el arte.

Extracto de luispita.com:

Masaru Emoto da conferencias por todo el mundo promoviendo un movimiento de respeto, meditación y celebración hacia el elemento agua llamado Hado.

Los mensajes del Agua está traducido al español en la editorial La Liebre de Marzo.

APUNTES SOBRE EL DOLOR, LA VIOLENCIA Y LA MUERTE EN EL ARTE (1).

2008-03-22T12:10:00.014+01:00

En Ultraviolencia y superficialidad¨[1], el escritor y crítico Vicente Luis Mora arroja luz sobre una cuestión que se ubica en el centro de los debates y polémicas del mundo del arte contemporáneo. Cita Mora las reflexiones del filósofo Arturo Leyte, que sostiene que "la banalización del mal, la presentación en sociedad de la desfiguración y, finalmente, la repetitiva escenificación del dolor bajo todas sus formas (principalmente la enfermedad y la tortura, físicas o psicológicas) y de la muerte, todo ello no resulta del intento por hacer aparecer la negatividad [...] sino del definitivo intento por que paradigmáticamente aparezca de forma positiva lo absoluto, lo infinito."

La tesis de que la escenificación del dolor, la muerte, etc. es el último intento de presentar de forma positiva el absoluto, el infinito, tiene su correspondencia en discursos artísticos que defienden que los artistas no realizan las películas, instalaciones, fotografías plásticas o acciones corporales con el dolor, la enfermedad, la muerte como temas, para torturar al espectador, sino para ayudar a la toma de conciencia de cómo el dolor se puede convertir en un eficaz instrumento del conocimiento del cuerpo yo. [2]

Punctum. Colectivo de arte 90.

En sentido contrario, el escritorAndrés Ibáñez cree que no es sustentable este uso generalizado del horror según la explicación moderna de, por ejemplo, Adorno, por la cual "el arte moderno ha de ser desagradable parara sacudir nuestra percepción adormecida por lenguajes complacientes y hacernos, así, conscientes de nuestra alienación". Por el contrario, Ibáñez cree que esta forma de entender la literatura y el arte va detrás de una mera producción de asco físico, que intenta llegar al cuerpo, y no producir una catarsis psíquica liberadora.

África. Javier Pérez Plata.

Su apelación a la catarsis pone sobre la mesa la clásica tesis aristotélica en torno a la tragedia. Los sentimientos de terror y piedad indisolublemente unidos como componentes del acto catárquico. Pero frente al llanto, respuesta corporal a estos sentimientos, existe la risa, el extremo opuesto. A este respecto, Gianni Carchia defiende en Retórica de lo sublime el humorismo como una nueva forma de lo sublime, no como un vía hacia la inmanencia, sino a la trascendencia. La risa "es la única forma socialmente aceptable de catarsis. Sin embargo, la diferencia entre ambas no es de esencia, sino sólo de grado. A pesar de eso, contrario al sentido común, tenemos un elemento crítico más agudo en la risa antes que en el llanto porque la risa más que las lágrimas parece acercarse más a un paroxismo que se resuelve en verdaderas convulsiones, una experiencia crítica de rechazo y de expulsión." [3]

Banksy. Flower.

[1] Vicente Luis Mora. La luz nueva. Berenice, 2007.
[2] Colectivo de arte 90. La mirada oblicua. Pág. 154. Dirección General de Coordinación de Políticas Migratorias. Consejería de Gobernación. Junta de Andalucía.
[3] Gianni Carchia. Retórica de lo sublime. Ed. Tecnos, 1994

LA DEGENERACIÓN DE LA ENERGÍA.

2008-03-22T12:04:00.000+01:00

La improbable teoría se fundamenta en el hecho observado de que existen acontecimientos que son centros de energía originales, cuya calidad degenera en cada eco que aparece en su círculo, círculo que se expande en el espacio y en el tiempo. Esos centros son modelos focales, cuya existencia suele anteceder a los ecos o rebotes, que devienen reiteraciones, imitaciones, copias o simulacros.

El Bosque Pintado es una obra realizada por Agustín Ibarrola, que trabajó directamente sobre los troncos de más de 500 pinos entre 1983 y 1991 en el bosque de Oma, en Kortézubi, cerca de Gernika (Vizcaya). El Bosque sufrió dos agresiones por parte de sectores radicales que no perdonan a Ibarrola su actitud crítica con el nacionalismo fundamentalista del País Vasco. Ibarrola había sido un artista comprometido durante la dictadura, habiendo sufrido cárcel en más de una ocasión por su actitud crítica frente al régimen. Pero a día de hoy, su nombre y su figura, internacionalmente reconocidas, reciben y padecen al mismo tiempo la admiración y la solidaridad de sus conciudadanos como el insulto y el ninguneo por parte de los radicales proetarras y las instituciones proclives al nacionalismo radical (o temerosas del mismo). La gravedad de la situación lo obliga a llevar escolta, e incluso a residir durante periodos de tiempo fuera de Euskadi.

Más allá de este triste caso de intolerancia irracional, el Bosque Pintado es un centro de energía original cuya intensidad mágica emociona a los visitantes. Quienes lo han visitado manifiestan haberse sentido commovidos por la experiencia de caminar por ese frondoso paisaje norteño en el que la naturaleza y el arte se han aliado en simbiosis perfecta. La tradición del land art, unida a un amor íntimo por la tierra y una conciencia sensible con el ecosistema, constituyen la base para un acontecimiento que hoy por hoy, se yergue como el opuesto del gran polo magnético: el titánico Guggenheim. Manuel Bausc, escribe en un hermoso texto (Revista digital Babab) que mientras que al Guggenheim de Gehry le sobran los cuadros, existe sin ellos, el bosque de Ibarrola commueve sin libro de instrucciones. Y concluye que las obras de arte dentro del templo de metal, a pesar de su innegable calidad, carecen de la emoción y del misterio de la fantasía que nos ha despertado las botas mojadas entre los árboles de Oma.

Los ecos del Bosque Pintado no han demorado mucho su aparición. En 1995, la iniciativa de unos alumnos de Bellas Artes, con el asesoramiento y dirección del propio Ibarrola, cristalizó en una obra realizada sobre unos olmos enfermos de grafiosis situados en parques y avenidas de la ciudad de Salamanca. Este eco, indica una distancia respecto del centro de energía original, aunque conserva algo de la esencia e incluso puede aportar interesantes conclusiones en cuanto a al diálogo entre la obra y el entorno urbano.

El punto de eco más alejado y degenerado del centro energético original, lo encontramos en la rotondilla sita en el cruce de salida al polígono industrial Cortijo Real, en Algeciras, en la Comarca del Campo de Gibraltar (Cádiz). La propuesta es tan burda y banal, que incluso quien desconozca su filiación, no podrá sino esbozar un comentario nada entusiasta. La pesadez de la conducción, el trazado sinuoso dejado atrás si se viaja en dirección a Algeciras, o la estresante salidad de la ciudad si el viaje es en dirección contraria, hacen improbable que el conductor que transita por la nacional IV entre Algeciras y Cádiz, o los que entran y salen del polígono, se halle en un estado idóneo para la apreciación estética. Por otro lado, el entorno inhóspito de ese no-lugar, rodeado por un paisaje semindustrial en eterna transformación degenerativa, cargado con los signos materiales de la producción, la velocidad, el exceso y la ausencia de lo natural, se crece en su superior escala por causa del contrapunto del grupo de arbolitos coloreados. Los endebles y raquíticos arbolitos descarnados, como ridículos tipos que parecen haberse confundido de fiesta, no pueden más que manifestar su impotencia como pretendido signo, como pretendido objeto o intervención artística. Naturalmente, la culpa no es de ellos.

Créditos:
Fotografía del Bosque Pintado de Sergio de Mingo. Por cortesía de Sergio de Mingo. De sitio en sitio.
Citas del artículo de Manuel Bausc por cortesía de Babab.com. ( a quienes escribí solicitando permiso, y como no obtuve respuesta seguí el refranero; quien calla otorga).
Foto de la rotonda de loa arbolitos pintados: Vanesa Pérez.

TODO ESTÁ ENSOMBRECIDO A PESAR DE LOS FOCOS.

2008-03-18T23:53:00.005+01:00

Hoy he tomado conciencia de un error ortográfico que llevo años cometiendo por exceso de celo (es la mejor excusa que se me ocurre). He acabado el día viendo una película que tenía que haber devuelto ayer. Lo que más me gustó de la peli fué el título. Es posible que olvide el libro en que está basada, ese libro que tuve entre mis manos y que no leí ni probablemente lea nunca. Prefiero perder una hora y media en una mala película que en un mal libro. Como dijo un sabio, es cuestión de gustos...

de la IMPOSIBILIDAD de un ORDEN ESPACIO-TIEMPO.

2008-03-17T14:11:00.003+01:00

Mi nueva agenda es pequeñita, extraplana y tiene una factura de travers (chapucera); pero práctica. Hoy me he decidido a estrenarla para inugurar una etapa vital donde nada se olvide y cada cosa tenga su lugar y cada lugar su cosa. Pero he descubierto que le faltan las hojas de las fechas donde tenía que escribir citas y compromisos. La agenda se rebela contra mi tenue voluntad de ordenar el espacio/tiempo. El azar de la memoria se impone, y ya sabemos que la principal función de la memoria es el olvido.

CÓMO TRIUNFAR EN EL MUNDO DEL ARTE.

2008-03-14T14:56:00.008+01:00

Elisabet Martín Gordillo, presentó esta mañana (viernes, 14 de marzo) en el Centro de Arte Contemporáneo (CAC) Málaga su libro Cómo triunfar en el mundo del arte. Estrategias del joven arte británico de los noventa, el primer estudio publicado en España que analiza el joven arte británico de los años 90, Young British Artists, que revolucionaron el mundo del arte.

El trabajo de la autora se ha extendido durante cinco años, viajando entre España y el Reino Unido, y considero de gran interés sus pesquisas en torno a las cuestiones que se plantea: "Me preguntaba de qué manera confluyen intereses de mercado, arte y marketing, una especie de entresijo. Qué es el espectáculo, la publicidad de la obra, qué es la obra, qué es el artista, cómo esta mitología de artistas se utilizan para vender una actitud".

Más allá de las preguntas que se hace Elisabet Martín, y sin apuntar contra la calidad o pertinencia de las obras (que la tienen en muchos casos), la cuestión es ¿hasta qué punto el arte de los útlimos tiempos nace de la actividad de los artistas o es el resultado de estrategias prediseñadas por mandamases como el publicista Saatchi (artífice del triunfo de Margaret Thatcher). ¿Arte o gigantescas campañas de publiarteking? Un libro que pienso leer en cuanto caiga en mis manos.

ARTE. DINERO. PODER.

2008-03-14T02:30:00.007+01:00

Artistas, aficionados, amantes del arte, neófitos, diletantes, profesionales. Una palabra tan sólo:
DINERO

y si escarbais, debajo hallareis otra que se escribe así: PODER.

Y la erótica del poder.
Y aquí sólo hay tipos que son definidos como TIBURONES.
¿Quieres tú ser un tiburón?
Pues agárrame un momento este link.

ARTE DE MIERDA...

2008-03-12T16:20:00.002+01:00

A continuación, ofrezco a los no-lectores de este blog, un fragmento de la novela experimental "Menudo Mojón, punto com", (por gentileza de su autora, Ramona Flores Seca, y del Editor, Ginés Flores Seca) en estado de finalización, y que será publicada a finales del presente año.

Capítulo Arte: muerte de asco.

Documentos requisados del ordenador hallado en el domicilio del acusado F. R. durante la investigación del caso por asesinato de E.R.. Se adjunta la acreditación oficial de F.R. como discapacitado psíquico (aportada por la defensa), obtenida pocos meses antes del día de autos:

Definitivamente: la gente se aburre; definitivamente: escribo para mí; definitivamente: cualquier cosa puede ser una obra de arte. Debord, en sus Comentarios a la Sociedad del Espectáculo, hablaba de la muerte del arte y de unos artistas devenidos funcionarios con autorización para decorar los recintos institucionales. Cacaculopedopis.

Expo de Gelitin, titulada kakabet. Tiene más arte que la mayoría de cosas que se hacen hoy. Si no, espera y verás.

Sí, amigos, hoy estoy como rebotado, de tanta mierda trasegada y con el agravante de la tensión electoral. Así que voy a despacharme a gusto asumiendo el riesgo de ofender a los gurús de la posmodernidad. Alea jacta est (la jalea esta hecha).

Ya se va viendo lo que decía. Esto si es mierda con arte, hasta tiene mensaje.

Mi carrera en el mundo del arte me ha regalado sobre todo momentos de revelación en los que he contemplado el puñetero wáter antes de que tiraran de la cadena. Y sin condenar al arte, hoy estoy dispuesto a condenar su ecosistema. Aunque me condene yo.

Mandamientos del Ecosistema del Arte Posmoderno:

1- La crítica de arte no existe, y si existe está a sueldo de los popes del mercado del arte. Bueno, no toda, una mijilla se salva.

2- A los artistas les suda lo que digan de su obra mientras sigan entrando billetes por un tubo.

3- Para ser artista posmoderno, es ventajoso:
a) ser homosexual, mujer, tercermundista, yonki, friki.
b) no tener mucha técnica (cuanto menos mejor) y sonreir con encanto.
c) llevar tanga y enseñarlo en cuanto se tercie.
d) juventud y osadía, con bastante ignorancia a la que llamaremos espontaneidad.
e) ser "auténtico/a", ser vulgar.
f) caerle bien a los controladores y a los ricos. Arte jodídamente difícil.
g) chupar y tragar con lo que venga sin protestar.
h) cuarto y mitad de cinismo, pocos escrúpulos y nulos principios éticos, morales.
i) provocar, provocar, provocar, viva el escándalo, moderadamente.
j) estar en todos los saraos la mayor parte del tiempo; y en el estudio sólo lo justito.

4- Si no cumples con estos requisitos, ni te atienden; eres una mierda.

Fin dll. ¿Fin del arte?

Momento de revelación

Hablé con E. R. hace un par años o así, el menda es un gestor-controlador de un espacio de arte institucional de mi provincia. Le mandé un cd con fotos de mi última expo. Quedamos para hablar sobre la posibilidad de llevar la obra a la capital. A la semana o así, volví a telefonear, me contesta una secretaria:
- Buenos días, ¿E. R., por favor?
- ¿De parte de quién?
- F. R..
- Un momento.
Escucho por el auricular a la secretaria susurrando que es F. R.. Unos segundos.
- No está en estos momentos. Le diré que has llamado.
- Vale, gracias.

No tengo nada en contra de los homosexuales (mi mejor amiga lo es), pero no soporto a los cobardes que se esconden y no dan la cara, y menos, a los que gestionan espacios de arte públicos como si fueran sus galerías privadas. Y no soy el único al que este individuo ha tratado con la punta del pié. Señoría.

- ¿Por qué asesinó usted a E. R.?

Este cabrón estaba revenido conmigo desde hace años, cuando en una convocatoria de Aduana, llegué con mi pieza y le dije al responsable que tenía que intervenir en la pared para instalarla. Me dijo que sin problema. Yo clavé una alcayata, colgué la pieza y terminé con carboncillo en la pared. El jurado la seleccionó.

Cuando el déspota del que hablo, me vió, vino a echarme la bronca todo prepotente. Diálogo que aconteció:

- Oye tú, tú eres el que ha dibujado en la pared, ¿no?, ¿a tí quien te dió permiso?
-Cuando llegué le advertí a la persona que me recibió que tenía que intervenir.
- Pero tú no dijiste qué ibas a hacer.
- No me preguntó. Intervenir puede ser desde hacer un dibujo con carboncillo en la pared hasta echar media pared abajo.
- Ya ya ya, sabemos lo que es una intervención perfectamente.
- Entonces, dónde está el problema.

Más callado que una puta en cuaresma se quedó. Pero eso se decía en tiempos de Franco, ahora las putas no callan nunca, nadie calla nunca, y si calla es para putearte cuando tenga su oportunidad. Como este caciquillo.
Así que yo le he dado de su propia medicina, ojo por ojo, la venganza es un plato que se come frío y a todo cerdo le llega su San Martín. Señoría.

- ¿Confiesa entonces que en el día de autos, sorprendió usted premeditadamente a E. R. en los servicios públicos de la Sala Rivadabia y le introdujo mediante la fuerza la cabeza en uno de los sanitarios, que acto seguido mantuvo presionado el pulsador del agua y que le provocó la muerte por ahogamiento, además de varias contusiones leves en el rostro y el cráneo?
- En homenaje a Duchamp. Sí Señoría.
- Quién es ese, ¿ha declarado ya?
- No Señoría, está muerto.
- ¿También lo mató usted?

Desde mi celda en el Psiquiátrico ideo proyectos de arte conceptual que anoto cuidadosamente en papelitos, orgulloso de parecerme en algo a Walser. Estoy muy ilusionado preparando una obra para una exposición que se va a celebrar en el Reina Sofía. Me dejarán asistir a la inauguración, y estará la ministra de cultura.

a b c d e f g h i k l m n p q r s t u v x y. Faltan la j, la ñ, la o, la w y la z.

Hasta tengo una idea para el título de mi obra: jñowz.

EL PAÍS NOS DESCUBRE AMÉRICA A LOS CATETOS ANDALUCES

2008-03-09T03:32:00.007+01:00

Esto que vais a leer está publicado en las páginas web de El País dedicadas al arte y la cultura, de las que recibo información actualizada en mi página personalizada de google. Ahí va (sin tocar ni una vírgula):

"La madera vieja es mucho más interesante que la nueva; utilizo lo que la gente desecha". El holandés Piet Hein Eek se ha hecho con un gran nombre en el diseño a partir de un par de ideas sencillas: aprovechar los materiales baratos que la gente tira (básicamente madera) y dotarles de ingenio y un acabado artesanal. De ahí salen grandes mesas de residuos de madera, taburetes, vitrinas lámparas, y hasta sofás hechos de contrachapado y telas estampadas mezcladas

A Piet Hein, que ronda los cuarenta años y ya ha expuesto en el MoMa de Nueva York, no le interesan, por ahora, ni la fama ni el márketing y trabaja desde su casa en Geldrop, un pequeño pueblo de Holanda.

La industria del diseño neerlandés también es rentable y conviene echar un vistazo a su dimensión económica, que se tratará en conferencias y seminarios repartidos a lo largo de este mes.

Para hacerse una idea: en Holanda hay censados 45.000 diseñadores a los que el Gobierno apoya con un sistema de ayudas "inimaginable en España", según Pierluigi Cattermole, director de la revista Experimenta, colaboradora con la embajada holandesa en este proyecto. El programa de actividades se puede consultar aquí.

Y aquí sevidor que, como menos de 45.000 artistas o diseñadores, pero más de 5.000 -eso fijo-, lleva años trabajando con estos materiales (y diciendo lo mismo que el holandés, que tampoco es una originalidad pa cagarse (ahora nos van a descubrir a Schwiters, el objet trouvé y el ready made vía desing)) no se come un pistacho ni en diseño ni en arte. Porque (y esto lo digo yo como explicación, como crítica y como mecagontó) llevamos 40 años de distadura socialista en Andalucía, y el único que sale en las portada de los periódicos a todo color, es el hijo acuarelista de Felipe González; y el Virrey, ese señor que lleva 20 años sentándose en el wáter del palacio de San Telmo y se va a pegar 4 más. Quien le sustituya tendrá que reformar por completo los baños del palacio. Otra gastito más a costa de los pringados de mi tierra, entre los que estoy yo, el más pringado de todos, porque encima, no tengo ni nómina ni ná.

Y respecto al articulito, luego dicen que la prensa se vende poco, que se está perdiendo el periodismo de calidad. ¿Se puede ser ingorante y pijo para escribir semejante noticia que más parece un comentario de niños bien a la vuelta de un viaje? Lo único que se salva es el dato sobre los diseñadores holandeses y las ayudas que reciben, y to pa que nos comamos los pelos de puta envidia. Estamos apañaos.

LITERATURA VISUAL

2008-03-09T03:06:00.005+01:00

Uno de los textos, o productos, que más he disfrutado últimamente ha sido el Los ángeles como Perpetuum Mobile de Vicente Luis Mora. Es un texto con fotografías del propio autor, realizado para un blog que éste mantiene en internet a base de trabajo (tiempo x energía) y amor (razón x locura).
Mora tiene muchas virtudes, una de las más destacables es su capacidad para generar debates enriquecedores y constructivos, en esta ocasión, sobre la desaparición de la escritura a mano y elpapelquedesempeñaelpapel en nuestro mundo.
Pero ese texto, con el misterio de L.A. temblando en la palmera del fondo de la mente, rebosaba el vaso.
El caso es que además de ser un texto espléndido, me ha sugerido una reflexión en torno a un género que ha surgido sobre la ola de la nueva tecnología web, y donde se entremezclan texto, imágenes, iconos, vídeos, sonidos, hasta cierta interactividad. No olvidemos que existen muchas iniciativas de investigación y desarrollo de cibernarrativa o cibercomic, y que el fenómeno blog es una consolidada dimensión con su propia identidad y personalidad. David Mena ha desarrollado un trabajo para la web donde pone en juego su narrativa y su capacidad de diseño web para ofrecer un producto que integra a ambos medios. ¿Estamos a las puertas de un Décimo arte? ¿Después del comic, la Ciberestesia?
Recuerden, amigos: Diario de Lecturas.
Visítenlo, léanlo. Hagánme caso o consulten a su farmacéutico.
En caso contrario sigan drogándose, no lean, no escriban y adopten la semianalfabetización como conciencia aceptada.

ELLA, ESTOICA, DESDE SU EQUILIBRIO PRECARIO NOS OBSERVA.

2008-02-23T15:59:00.009+01:00

TEATRO NEGRO. Cristina Lama. Pintura. Galería Manolo Alés. Plaza Fariñas, s/n. La Línea de La Concepción (Cádiz). Del 22 de febrero al 22 de marzo de 2008.

Vaya noche la de la ayer viernes. Lluvia y viento, sobre todo lo segundo,: el levante húmedo que empezó a azotarnos hace diez días y que sólo ha descansado uno para seguir con su inmisericorde látigo calador de tejidos, pieles y carne, hasta enquistar su salitre en el hueso. Si poca gente podía esperar verse en la calle, en los bares y demás negocios, menos aún podían esperarse en la inauguración de una exposición de pintura posmoderna. Pero cómo se puede uno privar de asistir a lo poco, poquísimo que se oferta en este territorio, en el que padecemos el olvido institucional a todos los niveles. Hay que asistir a estos actos con la misma devoción que los creyentes acuden a Lourdes o al Vaticano.

Sabemos donde vivimos y quien habita alrededor de los escasos locales de acontecimientos artísticos de interés que existen en nuestra comarca. Llevamos años oyendo esas voces decimonónicas que preguntan ¿por qué pintan tan mal los jóvenes?, que no saben enfrentarse a una obra de arte contemporáneo. O acaso, es una gran parte del arte contemporáneo el que no sabe presentarse ante el espectador, anclado quizás en unos presupuestos ya agotados que apelan a su superación (1). Pero esta discusión puede esperar, nos aguardan los cuadros de Cristina Lama.

INMEDIATEZ DEL PSICOANÁLISIS

Al entrar en la sala, me asalta el discurso pictórico de Cristina Lama, con la misma inmediatez con la que ha sido pintado. Sé que habré de detenerme ante cada cuadro y leer (en sentido estricto) los signos-símbolos de sus mnsajes codificados a modo de jeroglíficos. Pero ya hay síntomas que evidencian algunas fuentes clave de lsi representación icónica y que remiten a la pintura prerenacentista, aquella que sin la perspectiva representaba el espacio en los cuadros de Giotto y los primitivos italianos. Si Picasso (y Braque, y Gris) destruyó cinco siglos de tratamiento espacial sometido a reglas disciplinadas, inspirado en el arte africano, no es menos cierto que también se recuperó al mismo tiempo una parte de la visión "preperspectívica", y que la modernidad, y la posmodernidad (de manera casi absoluta), han adoptado como rasgo de identidad, tal vez por su proximidad a una inocencia querida. Cristina Lama es una artista posmoderna que pinta, cuya formación es no pictórica (académicamente hablando), sino escultórica (talla en madera) y dibujística por ende. Pero eso no es óbice para utilizar la pintura como lenguaje a través de cual encauzar sus obsesiones, sus instantáneas subconscientes, con el mismo desparpajo con el que uno se derrama en el diván del psicoanalista (más si éste es familia suya). Su formación autodidacta en lo pictórico, atiende a la circunstancia común de lo posmodern: la innecesidad de la técnica y el primado del significado, del contenido, en detrimento de ese concepto que durante siglos ha dictado sus leyes sobre el arte, hasta que se ha visto destronado: la belleza. La anulación de las normas académicas en cuanto al uso del color y los procesos más culinarios de los productos, es otro rasgo que apunta hacia la urgencia por transgredir lo establecido en favor de la comunicación del mensaje. No importa el cómo, sino el qué.

El uso del negro, desterrado de la paleta por los impresionistas, cobra mayor relevancia si cabe desde el mísmo título de la exposición, también el de un cuadro, que quizás sea el menos privado de la artista, por cuanto expresa una visión crítica sobre el mundo exterior. Oscuros poderes manipulando a los actores , meros maniquíes ante los espectadores situados no en su lugar, sino inscritos en el fondo de la escena, como presos condenados a asistir a un espectáculo del que no hay escape. Es el Teatro Negro del espectáculo que Cristina Lama vislumbra al mirar la realidad. Es la realidad desoculta por la mirada de la artista.

ACORDES DE VIOLÍN EN MEDIO DE UN RAP

He percibido, a tenor de lo que comento con algunos compañeros en la exposición, la presencia de lenguajes distantes conviviendo en el discurso. Palabras o citas que evidencian las contemplaciones de la pintura antigua, la fijación modélica y su inesperada aparición en el proceso creativo. Véanse esas piernas del personaje de ese cuadro que nos presenta una familia en un espacio de separación, de individualización incomunicativa, de perpelejidad, de femeneidad (el hombre en un segundo plano). Es un trozo de pintura que ya conocemos, propio de una representación conocedora de sus propias normas técnicas. Y esto, convive con un lenguaje mucho más depurado de tecnicismo, más directo e inmediato, como unos acordes orquestales podrían hacerlo en el seno de un concierto rap. Si esto es idóneo o no, el tiempo lo dirá, pero en mi paladar, detecto la disonancia que aún debe, o bien depurarse hasta su eliminación, o bien adecuarse, hasta encontrar su lugar. Su voz, aunque propia, conserva aún demasiados débitos con una generalidad estética de la que debe distanciarse, para que el discurso no sea lo único singular. Pero claro, decir esto, en el caso de una artista tan joven, es decir lo normal, lo natural.

SIGNOS-SÍMBOLOS Y DISCURSOS CONTRADICTORIOS

No escribiré aquí acerca de las concomitancias entre la obra de Cristina Lama y cierta obras de otras artistas "que de alguna manera inexplicable y congruente, se conjugan en algunos de los latidos del arte actual de Cristina Lama", en palabras de Sema D'Acosta en el prólogo del catálogo. Estás hilaciones, corresponden a la interpretación más psicoanalítica y subjetiva del incosciente de la obra, y al final, en mi opinión, a través de la subterraneidad del inconsciente colectivo, uno puede acabar estableciendo relaciones entre la comba y los Mohai de la Isla de Pascua. Pero si me mostraré de acuerdo con señalar la presencia de las herencias sensibles, como las de Maruja Mallo o Frida Kahlo (no así con Gabrielle Münter, cuya obra me resulta sólo relacionable con la de Cristina Lama en el hecho de que ambas son mujeres). Y es que, ustedes me disculparán, no estimo pertinente hacer una crítica en este caso desde la perspectiva de la dicotomía femenino-masculino, porque, si bien es obvio que Cristina Lama es una artista, me importa especialmente en la observación de su obra las relaciones asexuales con otras obras. En este sentido, el lenguaje plástico que observo, es asexual, en el sentido de que no lo entiendo como propio y exclusivo de lo femenino, sino perteneciente a una dimensión de acceso libre al margen del sexo. Lo que de veras importa en ella, es lo que de nuevo tenga que decirnos, más que la manera de decirlo, y creo que sabe y tiene qué decir.

En la pieza "Puerta entreabierta", una de las más afortunadas en mi opinión, el personaje que está en el espacio (interior), piensa en pájaros, mientras que el personaje que está en el espacio opuesto (exterior), piensa en jaulas, y al mismo tiempo, el primer personaje sostiene un elemento que remite a los bocadillos de la historieta, ocupado por macetas, contenedores de tierra donde enrraizarán plantas, pero en este caso, las macetas están vacías. Hay en este cuadro un discurso sobre el hogar como prisión, como vacío, como deseo y generador de sentimientos contradictorios. Y esto se encarna en un proceso que ha ido eliminando todo elemento innecesario mediante ese blanco que no termina de esconder las capas anteriores, ese gusto por la transparencia. Estos temas se repiten en formas similares o parecidas, en otras obras: la presencia de la jaula, a veces casi como escultura minimalista, o la presencia de objetos relativos a la infancia de la artista, como el robot (trasunto de la máquina autómata cartesiana y comentado en el texto del catálogo).

ACTANTE Y TESTIGO.

Tal y como encara el proceso creativo, en palabras de la propia artista, no hay una conceptualización ni una intelectualización exahustivas ante la obra, sino que el proceso deviene en construcción viva y sin diseños a priori (salvo la mínima composición previa que a veces respira evidente en la obra final, en forma de trazos de carbón, o de transparencia que generan cierta ilusión de movimiento), y que enmarcan la posmodernidad de Cristina Lama en un marco anterior que pertenece a la modernidad. Es un arte que sigue siendo gestáltico, producto del avance del/la creador/a en una oscuridad que va iluminando a golpes de intuición, por medio de esa brújula del saber qué se quiere decir. Si la belleza era el fin de la gestalt moderna, la concrección del mensaje sin adornos es el de esta gestalt posmoderna. En común tienen la mismidad del artista como fondo y centro de sus obras, inseparables de ella, y así, Cristina Lama es la testigo y la protagonista en los escenarios de estos espectáculos de teatro negro que son sus cuadros, como esa cabra castiza que se muestra en equilibrio para la mirada del ojo, sola en un escenario vacío, consciente de ser el objetivo de la atención, de ser el espectáculo para los otros, pero sabedora en su estoicismo manifiesto que el espectáculo es lo que la rodea.

HOJA DE DERIVA.

2008-02-21T15:13:00.000+01:00

el arte que espero:

- desoculta la verdad.
- con la virtud de Peito.
- apela a la mente y a los sentidos por igual.
- critica al tiempo que propone.
- presenta futuros posibles.
- transforma nuestra visión del mundo.

LA VIRTUD DE PEITO

2008-02-18T13:12:00.002+01:00

¿Es legítimo juzgar una obra de arte contemporáneo desde la óptica de la moral, o de la ética? Si entendemos que la posmodernidad ha liberado a la obra de su sometimiento al concepto de belleza, y que cualquier cosa puede ser una obra de arte si mantiene esa relación dantiana entre significante y significado, no. Lo correcto sería hacer la crítica de la obra sobre los polos de pertinente e impertinente. La nausea provocada a ciertos artistas por un mundo inhumano los legitima para adoptar estrategias de producción terroristas que derivan en obras acusatorias, lacerantes, provocadoras, como testimonio y ¿crítica? de su desacuerdo con la realidad. Obras como las performances de Mc Carty, las instalaciones de Santiago Sierra o la reciente y escandalosa muestra conocida como el perro de Habacuc, se enmarcan en esta estrategia agresiva en lo que lo asqueroso, lo abyecto, lo cruel, se convierte en la estrella estética del discurso.

Un ataque a estas obras que olvide la posibilidad de una crítica pertinente, peca de moralismo pudibundo, mostrando las propias contradicciones internas de quienes las suscriben. Creo que para efectuar una crítica de estas obras, hay que comprender intrínsecamente la esencia del arte contemporáneo y tener en cuenta las argumentaciones de los artistas que lo practican en este sentido. Sin afán de justificar nada, mi interés es más reflexionar y argumentar de manera racional en torno a esta fenomenología. Tomemos como ejemplo el perro de Habacuc.

Habacuc, que es el nombre del autor de la obra, capturó a un perro callejero, lo ató en el interior de una galería, en la pared escribió la frase "eres lo que lees" con comida para perros (pienso). Luego, el resultado de este montaje es confuso: hay declaraciones que afirman que al perro se le alimentaba, que no murió sino que escapó, otras que afirman que murio de hambre. Finalmente, la consecuencia de la obra, y de estos modus operandi de los artistas de esta corriente, es la aparición de una encendedida hiperpolémica que trasciende a la propia obra, y deviene en una dialéctica sin fin entre defensores y agresores. Esta hiperpolémica se convierte en el fin más estimado y deseable por sus autores para estas obras, manifestando la capacidad del arte (más allá de su legitimidad o aceptación) para generar activaciones apasionadas de las opiniones públicas (lo mismo sucedió, recordemos, con las obras de los Manet y los impresionistas a finales del siglo XIX; fueron atacadas desde un punto de vista artístico, pero también moral).

Creo, distanciándome de sentimientos, que el arte ha atravesado un periodo de "ilimitaciones" (aún persistente) en el que se ha dado rienda suelta a todas las propuestas y experiencias ideadas por los artistas más deseosos de construir discursos desde las estéticas de lo opuesto al canon tradicional. La justificación esgrimida para ello es, por un lado, la apelación a la libertad de expresión para discursear sobre conceptos que bajo otros modos quedarían poco expresados; por otro lado, el deseo de afectar a la conciencia de los espectadores para despertarla ante realidades tan, o más inhumanas, que la propia obra. Los argumentos contrarios a estas manifestaciones son, a mi entender, agrupables en dos grandes bloques: los ataques a la obra desde el punto de vista moral de la inaceptabilidad del sufrimiento o vejación de ningún ser vivo para hacer arte; y las críticas relativas a la pobreza artística del autor por su incapacidad para elaborar un discurso sobre ese mismo tema sin tener que recurrir a lo que denominaríamos snobismo mercantilista, o marketing brutal. Esta segunda crítica me resulta más pertinente, en la medida en que al menos se efectúa desde lo intrínseco.

A tenor de todo esto, si aceptamos, fríamente, este periodo artístico como un periodo pertinente al propio devenir del arte en relación a su contemporaneidad histórica (repleta de casos de inhumanidad), la pregunta que me parece más natural sería si a pesar de poder considerar como pertinentes estas obras (desde la teoría del arte más desprovista de elementos extraartísticos), ¿no ha llegado el momento en que su presencia es ya innecesaria, de que son una parte de la evolución del arte que se extingue en su cansina fórmula, repetida y fácil, y que debe procederse a adoptar nuevas posiciones y actitudes para, manteniendo la esencia del arte, acceder a nuevas obras, nuevos significantes cargados de significado que no actúen como focos de desencanto, sino como focos de encantamiento?. Quiero decir con esto, que la tarea del artista contemporáneo no es ya la provocación, ni la denuncia, ni la mera presentación de lo injusto obvio con lo que convivimos, sino la propuesta de lo que puede ser posible, la presentación y afirmación de un futuro distinto del que se nos programa. Y hacer esto, además, presentándolo bajo formas capaces de apelar a los sentidos y al intelecto de manera no agresiva, enseñar no mediante gritos y golpes, sino mediante la virtud de Peito (aquella figura mítica de la tragedia griega): la persuasión por la seducción amable y sincera, el milagro de la magia. Es algo, naturalmente, más difícil, pero ya es sabido que más fácil es destruir que crear.

EL TEMA DEL ARTE

2008-02-15T03:28:00.000+01:00

ÉTICA, (del latín ética y del griego etikós [traducir a alfabeto griego]. Parte de la filosofía que trata de la moral y de las obligaciones del hombre.
MORAL: PINCHA .
ÉTICA: PINCHA TAMBIÉN.

Si el gran tema de la útlima década del siglo XX y aún del XXI en el arte fúe la belleza, el gran tema del arte hoy es la ética y la moral. ¿Es una obra de arte el Perro de Habacuc, o los proyectos de Santiago Sierra?. Pues sí. Personalmente los encuentro obras de arte pertinentes en relación a su contexto histórico temporal.

Pero a mì no me valen, ni como ciudadano, ni como artista. Mi punto de partida tiene que estar un paso más allá de la obra de estos artistas. Porque mi punto de partida es el futuro, que debo afirmar, y antes de afirmarlo, debo presentarlo (ergo, está por crear, ergo debo superar el presente), y ese futuro no puede ser por tanto, un pasado o presente a criticar.
Algunos lo llaman utopía.
Pero la utopía pertenece al Sueño, y yo estoy despierto, al menos cuando no hago la siesta, costumbre nacional, que deberán aceptar los inmigrantes (según algunos).
Bromas aparte. La gran cuestión del arte hoy, es su moralidad o inmoralidad, en un mundo en el que de momento, lo religioso aún está por solventar: Luego habría que buscar y hablar en propiedad de una "moral laica".
Pero cómo, si la "bondad" está a punto de morir arrojada desde el piso XXI de la demoracia: No lo hagais, canallas, lo lamentareis -dice ingenuamente, incrédula por los cuernos que le han puesto sus amantes con la demagogia- . Y ya se cierrran sus ojos...

TO BE CONTINUED.

FEBRERO EN MADRID ES MÁS QUE UNA FERIA.

2008-02-06T16:12:00.000+01:00

Del 13 al 18 de febrero se celebrará en Madrid la edición 27 de ARCO, la feria de arte contemporáneo más antigua de nuestro país. En paralelo, del 13 al 17, se celebra la tercera edición de ART MADRID, otra nueva feria surgida como surgen los champiñones tras las lluvias. Es llamativo que la mayoría de artículos sobre esta noticia, hablen muy asépticamente sobre esta circunstancia, incluso "para los organizadores de Art Madrid el hecho de que el Salón coincida con la celebración de ARCO, durante un mes en el que pueden verse multitud de propuestas artísticas en Madrid, lejos de ser un inconveniente, es algo positivo, ya que contribuye a equilibrar el mercado del arte fomentando el coleccionismo." Ahí se les ha visto el plumero. Todo esto huele a la competencia que se ha establecido entre dos grandes sectores del mundo del mercado del arte en España, por un lado, las galerías de ARCO y por otro las excluidas de su esfera. Es curioso que este año, ninguna galería andaluza haya sido incluída por el comité de selección de ARCO entre las participantes. Ni siquiera la histórica Magda Bellotti, que estuvo presente desde la primera edición de la feria, pero que desde que se trasladó de Algeciras a Madrid, parece haberse ganado enemigos que antes la contemplaban como una inocua galería del extrarradio andaluz (lo cual habla del peso ínfimo de Andalucía en el mundo del arte). Lo mejor que podemos decir es que la lucha por el pastel de los coleccionistas revierte en una amplia oferta para el espectador; que les aproveche si se dan un garbeo por la capital, porque además de estas dos ferias, encontrará un amplio abanico de exposiciones. Destacan por su magnitud, la dedicada a Picasso en MNCARS (que estrena dirección) y la dedicada a Modigliani, que coorganizan el Thyseen y la Fundación Caja Madrid. El mes de febrero es un época inmejorable para darse un hartazgo de arte en Madrid

ARCO Entrada General: 32 € / EG+Catálogo: 63 € / Estudiantes: 21 € / EE+Catálogo: 47 €
ART MADRID Entrada General 10 € / Niños (hasta 12 años): 5 € / Catálogo: 15 €