Orlan.
Accionismo vienés.
Bob Flanagan.
Marina Abramovic.
Paul McCarthy.
Una tradición con más siglos de lo parece.
Cambian los modos de representación.
¿Dónde están las fronteras del arte?
¿Aquí?
APUNTES SOBRE EL DOLOR, LA VIOLENCIA Y LA MUERTE EN EL ARTE (3).
Chris Burden.
Orlan.
Accionismo vienés.
Bob Flanagan.
Marina Abramovic.
Paul McCarthy.
Una tradición con más siglos de lo parece.
Cambian los modos de representación.
¿Dónde están las fronteras del arte?
¿Aquí?
Orlan.
Accionismo vienés.
Bob Flanagan.
Marina Abramovic.
Paul McCarthy.
Una tradición con más siglos de lo parece.
Cambian los modos de representación.
¿Dónde están las fronteras del arte?
¿Aquí?
APUNTES SOBRE EL DOLOR, LA VIOLENCIA Y LA MUERTE EN EL ARTE (2).
Entrevista a Masaru Emoto,
por Antonio F. Muro.
La localidad de Riopar (en la Sierra del Agua de Albacete, España) fue sede los días 24 y 25 de septiembre de 2006 del Primer Encuentro Internacional de la Ecología del Agua y al mismo asistió Masaru Emoto, el investigador japonés que asombró al mundo hace seis años con su libro “Mensajes del Agua” y que desde entonces ha realizado más de 50.000 fotografías con las que afirma haber demostrado cómo los pensamientos y emociones humanas, al ser vibraciones y éstas, la base de la Vida, alteran la estructura molecular del agua y actúan directamente sobre la salud y el comportamiento a nivel global.
"El cristal nos enseña que esas cosas negativas no son buenas para la vida. Y no sólo pasa con la música. También las fotos transmiten vibración. Los dibujos de Miguel Ángel transmiten vibraciones y nosotros las disfrutamos. Tienen como un sentimiento de sanación. Todas las buenas artes tienen la propiedad de sanar."
Un argumento interesante para añadir al debate sobre la violencia, el dolor y la muerte en el arte.
Extracto de luispita.com:
Masaru Emoto da conferencias por todo el mundo promoviendo un movimiento de respeto, meditación y celebración hacia el elemento agua llamado Hado.
Los mensajes del Agua está traducido al español en la editorial La Liebre de Marzo.
por Antonio F. Muro.
La localidad de Riopar (en la Sierra del Agua de Albacete, España) fue sede los días 24 y 25 de septiembre de 2006 del Primer Encuentro Internacional de la Ecología del Agua y al mismo asistió Masaru Emoto, el investigador japonés que asombró al mundo hace seis años con su libro “Mensajes del Agua” y que desde entonces ha realizado más de 50.000 fotografías con las que afirma haber demostrado cómo los pensamientos y emociones humanas, al ser vibraciones y éstas, la base de la Vida, alteran la estructura molecular del agua y actúan directamente sobre la salud y el comportamiento a nivel global.
"El cristal nos enseña que esas cosas negativas no son buenas para la vida. Y no sólo pasa con la música. También las fotos transmiten vibración. Los dibujos de Miguel Ángel transmiten vibraciones y nosotros las disfrutamos. Tienen como un sentimiento de sanación. Todas las buenas artes tienen la propiedad de sanar."
Un argumento interesante para añadir al debate sobre la violencia, el dolor y la muerte en el arte.
Extracto de luispita.com:
Masaru Emoto da conferencias por todo el mundo promoviendo un movimiento de respeto, meditación y celebración hacia el elemento agua llamado Hado.
Los mensajes del Agua está traducido al español en la editorial La Liebre de Marzo.
APUNTES SOBRE EL DOLOR, LA VIOLENCIA Y LA MUERTE EN EL ARTE (1).
En Ultraviolencia y superficialidad¨[1], el escritor y crítico Vicente Luis Mora arroja luz sobre una cuestión que se ubica en el centro de los debates y polémicas del mundo del arte contemporáneo. Cita Mora las reflexiones del filósofo Arturo Leyte, que sostiene que "la banalización del mal, la presentación en sociedad de la desfiguración y, finalmente, la repetitiva escenificación del dolor bajo todas sus formas (principalmente la enfermedad y la tortura, físicas o psicológicas) y de la muerte, todo ello no resulta del intento por hacer aparecer la negatividad [...] sino del definitivo intento por que paradigmáticamente aparezca de forma positiva lo absoluto, lo infinito."
Punctum. Colectivo de arte 90.
En sentido contrario, el escritorAndrés Ibáñez cree que no es sustentable este uso generalizado del horror según la explicación moderna de, por ejemplo, Adorno, por la cual "el arte moderno ha de ser desagradable parara sacudir nuestra percepción adormecida por lenguajes complacientes y hacernos, así, conscientes de nuestra alienación". Por el contrario, Ibáñez cree que esta forma de entender la literatura y el arte va detrás de una mera producción de asco físico, que intenta llegar al cuerpo, y no producir una catarsis psíquica liberadora.
África. Javier Pérez Plata.
Su apelación a la catarsis pone sobre la mesa la clásica tesis aristotélica en torno a la tragedia. Los sentimientos de terror y piedad indisolublemente unidos como componentes del acto catárquico. Pero frente al llanto, respuesta corporal a estos sentimientos, existe la risa, el extremo opuesto. A este respecto, Gianni Carchia defiende en Retórica de lo sublime el humorismo como una nueva forma de lo sublime, no como un vía hacia la inmanencia, sino a la trascendencia. La risa "es la única forma socialmente aceptable de catarsis. Sin embargo, la diferencia entre ambas no es de esencia, sino sólo de grado. A pesar de eso, contrario al sentido común, tenemos un elemento crítico más agudo en la risa antes que en el llanto porque la risa más que las lágrimas parece acercarse más a un paroxismo que se resuelve en verdaderas convulsiones, una experiencia crítica de rechazo y de expulsión." [3]
Banksy. Flower.
[1] Vicente Luis Mora. La luz nueva. Berenice, 2007.
[2] Colectivo de arte 90. La mirada oblicua. Pág. 154. Dirección General de Coordinación de Políticas Migratorias. Consejería de Gobernación. Junta de Andalucía.
[3] Gianni Carchia. Retórica de lo sublime. Ed. Tecnos, 1994
La tesis de que la escenificación del dolor, la muerte, etc. es el último intento de presentar de forma positiva el absoluto, el infinito, tiene su correspondencia en discursos artísticos que defienden que los artistas no realizan las películas, instalaciones, fotografías plásticas o acciones corporales con el dolor, la enfermedad, la muerte como temas, para torturar al espectador, sino para ayudar a la toma de conciencia de cómo el dolor se puede convertir en un eficaz instrumento del conocimiento del cuerpo yo. [2]
En sentido contrario, el escritorAndrés Ibáñez cree que no es sustentable este uso generalizado del horror según la explicación moderna de, por ejemplo, Adorno, por la cual "el arte moderno ha de ser desagradable parara sacudir nuestra percepción adormecida por lenguajes complacientes y hacernos, así, conscientes de nuestra alienación". Por el contrario, Ibáñez cree que esta forma de entender la literatura y el arte va detrás de una mera producción de asco físico, que intenta llegar al cuerpo, y no producir una catarsis psíquica liberadora.
África. Javier Pérez Plata.
Su apelación a la catarsis pone sobre la mesa la clásica tesis aristotélica en torno a la tragedia. Los sentimientos de terror y piedad indisolublemente unidos como componentes del acto catárquico. Pero frente al llanto, respuesta corporal a estos sentimientos, existe la risa, el extremo opuesto. A este respecto, Gianni Carchia defiende en Retórica de lo sublime el humorismo como una nueva forma de lo sublime, no como un vía hacia la inmanencia, sino a la trascendencia. La risa "es la única forma socialmente aceptable de catarsis. Sin embargo, la diferencia entre ambas no es de esencia, sino sólo de grado. A pesar de eso, contrario al sentido común, tenemos un elemento crítico más agudo en la risa antes que en el llanto porque la risa más que las lágrimas parece acercarse más a un paroxismo que se resuelve en verdaderas convulsiones, una experiencia crítica de rechazo y de expulsión." [3]
Banksy. Flower.
[1] Vicente Luis Mora. La luz nueva. Berenice, 2007.
[2] Colectivo de arte 90. La mirada oblicua. Pág. 154. Dirección General de Coordinación de Políticas Migratorias. Consejería de Gobernación. Junta de Andalucía.
[3] Gianni Carchia. Retórica de lo sublime. Ed. Tecnos, 1994
LA DEGENERACIÓN DE LA ENERGÍA.
La improbable teoría se fundamenta en el hecho observado de que existen acontecimientos que son centros de energía originales, cuya calidad degenera en cada eco que aparece en su círculo, círculo que se expande en el espacio y en el tiempo. Esos centros son modelos focales, cuya existencia suele anteceder a los ecos o rebotes, que devienen reiteraciones, imitaciones, copias o simulacros.
El Bosque Pintado es una obra realizada por Agustín Ibarrola, que trabajó directamente sobre los troncos de más de 500 pinos entre 1983 y 1991 en el bosque de Oma, en Kortézubi, cerca de Gernika (Vizcaya). El Bosque sufrió dos agresiones por parte de sectores radicales que no perdonan a Ibarrola su actitud crítica con el nacionalismo fundamentalista del País Vasco. Ibarrola había sido un artista comprometido durante la dictadura, habiendo sufrido cárcel en más de una ocasión por su actitud crítica frente al régimen. Pero a día de hoy, su nombre y su figura, internacionalmente reconocidas, reciben y padecen al mismo tiempo la admiración y la solidaridad de sus conciudadanos como el insulto y el ninguneo por parte de los radicales proetarras y las instituciones proclives al nacionalismo radical (o temerosas del mismo). La gravedad de la situación lo obliga a llevar escolta, e incluso a residir durante periodos de tiempo fuera de Euskadi.
El Bosque Pintado es una obra realizada por Agustín Ibarrola, que trabajó directamente sobre los troncos de más de 500 pinos entre 1983 y 1991 en el bosque de Oma, en Kortézubi, cerca de Gernika (Vizcaya). El Bosque sufrió dos agresiones por parte de sectores radicales que no perdonan a Ibarrola su actitud crítica con el nacionalismo fundamentalista del País Vasco. Ibarrola había sido un artista comprometido durante la dictadura, habiendo sufrido cárcel en más de una ocasión por su actitud crítica frente al régimen. Pero a día de hoy, su nombre y su figura, internacionalmente reconocidas, reciben y padecen al mismo tiempo la admiración y la solidaridad de sus conciudadanos como el insulto y el ninguneo por parte de los radicales proetarras y las instituciones proclives al nacionalismo radical (o temerosas del mismo). La gravedad de la situación lo obliga a llevar escolta, e incluso a residir durante periodos de tiempo fuera de Euskadi.
Más allá de este triste caso de intolerancia irracional, el Bosque Pintado es un centro de energía original cuya intensidad mágica emociona a los visitantes. Quienes lo han visitado manifiestan haberse sentido commovidos por la experiencia de caminar por ese frondoso paisaje norteño en el que la naturaleza y el arte se han aliado en simbiosis perfecta. La tradición del land art, unida a un amor íntimo por la tierra y una conciencia sensible con el ecosistema, constituyen la base para un acontecimiento que hoy por hoy, se yergue como el opuesto del gran polo magnético: el titánico Guggenheim. Manuel Bausc, escribe en un hermoso texto (Revista digital Babab) que mientras que al Guggenheim de Gehry le sobran los cuadros, existe sin ellos, el bosque de Ibarrola commueve sin libro de instrucciones. Y concluye que las obras de arte dentro del templo de metal, a pesar de su innegable calidad, carecen de la emoción y del misterio de la fantasía que nos ha despertado las botas mojadas entre los árboles de Oma.
Los ecos del Bosque Pintado no han demorado mucho su aparición. En 1995, la iniciativa de unos alumnos de Bellas Artes, con el asesoramiento y dirección del propio Ibarrola, cristalizó en una obra realizada sobre unos olmos enfermos de grafiosis situados en parques y avenidas de la ciudad de Salamanca. Este eco, indica una distancia respecto del centro de energía original, aunque conserva algo de la esencia e incluso puede aportar interesantes conclusiones en cuanto a al diálogo entre la obra y el entorno urbano.
El punto de eco más alejado y degenerado del centro energético original, lo encontramos en la rotondilla sita en el cruce de salida al polígono industrial Cortijo Real, en Algeciras, en la Comarca del Campo de Gibraltar (Cádiz). La propuesta es tan burda y banal, que incluso quien desconozca su filiación, no podrá sino esbozar un comentario nada entusiasta. La pesadez de la conducción, el trazado sinuoso dejado atrás si se viaja en dirección a Algeciras, o la estresante salidad de la ciudad si el viaje es en dirección contraria, hacen improbable que el conductor que transita por la nacional IV entre Algeciras y Cádiz, o los que entran y salen del polígono, se halle en un estado idóneo para la apreciación estética. Por otro lado, el entorno inhóspito de ese no-lugar, rodeado por un paisaje semindustrial en eterna transformación degenerativa, cargado con los signos materiales de la producción, la velocidad, el exceso y la ausencia de lo natural, se crece en su superior escala por causa del contrapunto del grupo de arbolitos coloreados. Los endebles y raquíticos arbolitos descarnados, como ridículos tipos que parecen haberse confundido de fiesta, no pueden más que manifestar su impotencia como pretendido signo, como pretendido objeto o intervención artística. Naturalmente, la culpa no es de ellos.
Créditos:
Fotografía del Bosque Pintado de Sergio de Mingo. Por cortesía de Sergio de Mingo. De sitio en sitio.
Citas del artículo de Manuel Bausc por cortesía de Babab.com. ( a quienes escribí solicitando permiso, y como no obtuve respuesta seguí el refranero; quien calla otorga).
Foto de la rotonda de loa arbolitos pintados: Vanesa Pérez.
Fotografía del Bosque Pintado de Sergio de Mingo. Por cortesía de Sergio de Mingo. De sitio en sitio.
Citas del artículo de Manuel Bausc por cortesía de Babab.com. ( a quienes escribí solicitando permiso, y como no obtuve respuesta seguí el refranero; quien calla otorga).
Foto de la rotonda de loa arbolitos pintados: Vanesa Pérez.
TODO ESTÁ ENSOMBRECIDO A PESAR DE LOS FOCOS.
Hoy he tomado conciencia de un error ortográfico que llevo años cometiendo por exceso de celo (es la mejor excusa que se me ocurre). He acabado el día viendo una película que tenía que haber devuelto ayer. Lo que más me gustó de la peli fué el título. Es posible que olvide el libro en que está basada, ese libro que tuve entre mis manos y que no leí ni probablemente lea nunca. Prefiero perder una hora y media en una mala película que en un mal libro. Como dijo un sabio, es cuestión de gustos...
de la IMPOSIBILIDAD de un ORDEN ESPACIO-TIEMPO.
Mi nueva agenda es pequeñita, extraplana y tiene una factura de travers (chapucera); pero práctica. Hoy me he decidido a estrenarla para inugurar una etapa vital donde nada se olvide y cada cosa tenga su lugar y cada lugar su cosa. Pero he descubierto que le faltan las hojas de las fechas donde tenía que escribir citas y compromisos. La agenda se rebela contra mi tenue voluntad de ordenar el espacio/tiempo. El azar de la memoria se impone, y ya sabemos que la principal función de la memoria es el olvido.
CÓMO TRIUNFAR EN EL MUNDO DEL ARTE.
Elisabet Martín Gordillo, presentó esta mañana (viernes, 14 de marzo) en el Centro de Arte Contemporáneo (CAC) Málaga su libro Cómo triunfar en el mundo del arte. Estrategias del joven arte británico de los noventa, el primer estudio publicado en España que analiza el joven arte británico de los años 90, Young British Artists, que revolucionaron el mundo del arte.
El trabajo de la autora se ha extendido durante cinco años, viajando entre España y el Reino Unido, y considero de gran interés sus pesquisas en torno a las cuestiones que se plantea: "Me preguntaba de qué manera confluyen intereses de mercado, arte y marketing, una especie de entresijo. Qué es el espectáculo, la publicidad de la obra, qué es la obra, qué es el artista, cómo esta mitología de artistas se utilizan para vender una actitud".
Más allá de las preguntas que se hace Elisabet Martín, y sin apuntar contra la calidad o pertinencia de las obras (que la tienen en muchos casos), la cuestión es ¿hasta qué punto el arte de los útlimos tiempos nace de la actividad de los artistas o es el resultado de estrategias prediseñadas por mandamases como el publicista Saatchi (artífice del triunfo de Margaret Thatcher). ¿Arte o gigantescas campañas de publiarteking? Un libro que pienso leer en cuanto caiga en mis manos.
El trabajo de la autora se ha extendido durante cinco años, viajando entre España y el Reino Unido, y considero de gran interés sus pesquisas en torno a las cuestiones que se plantea: "Me preguntaba de qué manera confluyen intereses de mercado, arte y marketing, una especie de entresijo. Qué es el espectáculo, la publicidad de la obra, qué es la obra, qué es el artista, cómo esta mitología de artistas se utilizan para vender una actitud".
Más allá de las preguntas que se hace Elisabet Martín, y sin apuntar contra la calidad o pertinencia de las obras (que la tienen en muchos casos), la cuestión es ¿hasta qué punto el arte de los útlimos tiempos nace de la actividad de los artistas o es el resultado de estrategias prediseñadas por mandamases como el publicista Saatchi (artífice del triunfo de Margaret Thatcher). ¿Arte o gigantescas campañas de publiarteking? Un libro que pienso leer en cuanto caiga en mis manos.
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